Retardataire chronique(s)

Sopro @Théâtre de la Bastille, le 13 Novembre 2018

Le vent souffle dans le théâtre de la Bastille, les hautes herbes parsemées sur le plateau frémissent. Le décor laisse imaginer un théâtre déserté. Les comédiens peuplent progressivement le plateau. Et, tout en discrétion, Cristina Vidal, vêtue de ses habits sombres, les accueille.

Présenté au Festival d'Avignon, Sopro est une pièce-hommage à la femme de l'ombre, la souffleuse qui travaille aux côtés du metteur en scène portugais depuis vingt-cinq ans au Teatro D. Nacional II. Un quart de siècles d'anecdotes qui, selon elle, n'auraient tenu que sur 18 minutes et 23 secondes. Durant, toutes ces années, elle a rencontré une multitude de comédiens, fait en sorte que ces derniers n'oublient pas une seule réplique. Alors pour prolonger, Tiagro Rodrigues revisite les pièces sur lesquelles celle qui murmure à l'oreille des artistes est intervenue pour éviter les catastrophes.

Les premières scènes consistent à montrer aux spectateurs comment est né ce projet : la discussion du metteur en scène avec une Cristina peu convaincue par la teneur du projet. Puis défilent Antigone, L'Avare, Bérénice... Que ça soit des trous de mémoire ou des moments beaucoup plus sensibles, Cristina Vidal a sauvé bien des situations aussi bien en répétitions qu'en représentations.

Celle qui n'a connu que l'ombre finit par être mise totalement en lumière pour prononcer les sept derniers vers de Bérénice.
Oscillant entre des instants poétiques, des fragments émouvants et des séquences comiques, Sopro est un bel hommage à l'une des professions les plus sous-estimées du monde du théâtre.

Le grand sommeil @Théâtre de la Commune, le 10 Novembre 2018

Elles devaient être deux sur le plateau. Helena de Laurens et Jeanne. La première est adulte, la seconde est une pré-adolescente. C'est bien là le problème. Une adolescente dans le monde du spectacle vivant ça suscite des complications à tous les points de vue mais surtout médicaux et juridiques. Si le processus créatif avait bien démarré entre les deux jeunes femmes, six mois de répétition au compteur ont suffi pour convaincre la médecine du travail, la psy et les parents de Jeanne que ce n'était pas bon pour elle : trop long, trop éprouvant pour une fille de son âge. L'ado est écartée de la scène, le spectacle devient un solo, un hommage à cette absence. Helena de Laurens devient Jeanne le temps de la représentation.

La danseuse vêtue de rouge arrive du fond du plateau sur Bitch better have my money de Rihanna. Comme une enfant, elle fait tourner un sac autour d'elle, façon tourniquet. Puis vient le temps des paroles crues de l'ado, elle n'est pas une enfant comme les autres. En pleine tentative de rébellion, sa façon arrogante de s'exprimer avec des silences perturbants, Helena donne son corps, l'âme est bien celle de Jeanne.

De façon presque détestable, à la limite de la méchanceté, elle questionne son rapport avec les adultes, avec ce qui s'apparente à la norme, avec la famille... Elle perturbe avec ses grimaces improbables, elle se métamorphose en véritable petite diablesse qui n'existe qu'au travers de ses provocations. SM de Rihanna en fond sonore, Helena se livre à l'ultime provocation de Jeanne. Le corps souple de la performeuse gesticule à la manière de la chanteuse de la Barbade tout en s'enroulant avec un rouleau de scotch orange vif.

Elles n'étaient pas deux, elles ne faisaient qu'une sans rivalité ni complicité pour autant. Elles fonctionnaient à l'opposé des rôles présupposés : la parole était laissée à l'enfant, l'adulte cédait son corps et s'abandonnait.

L'Ecole des femmes @Théâtre de l'Odéon, le 09 Novembre 2018

Qui aurait pu penser un jour que le texte L'Ecole des femmes allait commencer dans une salle de sport façon Club Med ?

Stéphane Braunschweig l'a pensé et le fait. Si ce n'est qu'une scène introductive, elle donne le ton de cette adaptation survoltée. Arnolphe, l'homme mûr si sûr de lui se muscle, s'entretient face à la concurrence masculine qu'il craint fortement. Fidèle à la plume de Molière, il confie ses craintes et ses hantises en alexandrins à son jeune ami Chrysalde. Les deux compères pédalent sur les vélos d'appartement et échangent leurs points de vue.

Très vite ce décor inattendu change pour faire découvrir aux spectateurs un autre beaucoup plus sombre : une ménagerie de verre teinté dans laquelle (sur)vit la douce Agnès. Cette dernière se retrouve comme un petit animal que l'on regarderait au travers de la vitre, que l'on prendrait avec prudence. Cette cage de verre renforce la personnalité possessive et dominatrice d'Arnolphe qui finira par perdre ses moyens lorsqu'il apprendra que le jeune Horace s'est épris de sa protégée. La principale intéressée confesse que le sentiment est réciproque. La perversion est alors enclenchée ; Arnolphe devient instable, rongé par l'angoisse.

Cette instabilité est ici formidablement interprétée par Claude Duparfait. Le comédien alternera entre les facettes d'un homme prédateur et le torturé. Cette personnalité double se retrouve à plusieurs reprises : tantôt paternaliste, tantôt malsaine. Il fait face à une Agnès redoutable et sauvage campée par Suzanne Aubert. Si L'Ecole des femmes est un texte comique, l'ambiance posée par Braunschweig est grinçante. La scène de lectures des maximes du mariage fait partie de celles qui prêtent à sourire. Les dents commencent à grincer lorsqu'Arnolphe dévoile sa folie, contrôlé par son unique désir, la main dans le slip, pantalon aux chevilles il est déterminé à faire entendre ses sentiments à Agnès.

Le Banquet @Théâtre du Rond-Point, le 08 Novembre 2018

Quatre ans auparavant le Théâtre du Rond-Point accueillait la création de Mathilda May, Open space (mon retour ici) qui décrivait le monde de l'entreprise. Dans le même esprit, elle choisit de s'attaquer au mariage et plus particulièrement, au banquet.

Les ingrédients de sa première création s'y retrouvent : l'absence de paroles, mimiques et postures hilarantes. Seuls les comédiens changent. : Sébastien Almar, Roxane Bret, Bernie Collins, Jérémie Covillault, Lee Delong, Stéphanie Djoudi-Guiradon, Arnaud Maillard, Françoise Miquelis, Ariane Mourier et Tristan Robin s'en donnent à cœur joie.

L'énergie est bien au rendez-vous, les gags les plus absurdes ne manquent pas et ce,
dès le début de la représentation : banquet inaccessible, pente raide, robe tâchée, l'ivresse de chacun, tout y est et interprété impeccablement.

Au plus proche du réel, tous les convives "clichés" se retrouvent pour ce grand rituel : la mariée dépassée, le témoin beau gosse du marié quelque peu vulgaire, le père au discours soporifique, la tante au chihuahua, l'adolescente attachante, le gosse qui court partout, le photographe collant, le DJ foireux... Tout ce petit monde festoie : ça boit, ça mange, ça tombe malade, ça danse, ça s'amuse, ça s'ennuie, ça se remémore, ça s'aime... Et dans le grand ensemble on trouve également des moments de solitude, des sortes de parenthèses que s'accordent les personnages et tout se met à tourner au ralenti autour d'eux. Le burlesque atteint des sommets pour mieux verser dans le tragique final.

Comme pour Open space Mathilda May montre une fois encore son talent pour créer un univers tout à fait loufoque.
Toutefois, les gags finissent par s'épuiser et les longueurs commencent à se faire sentir, la soirée s'éternise mais est-ce encore le besoin d'être au plus près du réel ? Pas sûr...

Acceso - Résistance d'un enfant des rues chiliennes @Maison des Métallos, le 06 Novembre 2018

Il déboule dans la salle comme on entrerait dans un métro légèrement bondé. Si une partie des spectateurs sont installés dans les gradins en légère surélévation, l'autre se concentre sur deux rangées de chaises réparties côté cour et côté jardin.

Très vite, Sandokan débite son discours de commerçant itinérant et sort toute une série de pacotilles de sa besace : trio de peignes, livres parmi lesquels la constitution chilienne de 1844 et la Bible, gadget lumineux pour faire fuir les mauvais esprits de la chambre des enfants, rouleau anti bouloche électrique, semelles en mousse... Un moyen pour lui de survivre ou encore simplement d'exister.

Sandokan c'est avant tout un adulte qui n'a pas eu accès à une enfance ordinaire, qui n'a pas eu d'enfance tout court.
Des "m'sieurs", comme il les appelle, qui n'ont rien de sain lui ont arraché l'insouciance et le peu d'innocence qu'il pouvait avoir. Commence alors le basculement dans le sordide. Sans détour, Sandokan décrit les abus sexuels dont il a été victime, comment il a entraîné sa sœur malgré lui, sa détresse, la violence des puissants, les effets de la cocaïne...
Au plus près des spectateurs, il balance crûment les faits et gestes des adultes qui l'ont tantôt gâté tantôt sali, souillé.

Roberto Farias installe une atmosphère dérangeante par sa gestuelle, par ses expressions, son regard ne tombe jamais. Ses récits sont racontés avec une certaine exaltation qui déroute les spectateurs. Quand le mal aise est palpable, soudainement, il reprend les démonstrations enthousiastes de ses marchandises improbables.

Un monologue saisissant et puissant.

La guerre des salamandres @Maison des Métallos, le 23 Octobre 2018

C'est à la Maison des Métallos que la joyeuse bande des Tréteaux de France s'est installée pour y jouer le conte visionnaire sombre et loufoque La guerre des salamandres du tchèque Karel Capek.

Les spectateurs se trouvent embarqués dans une fiction politique noire à la manière d'un George Orwell mêlée à la poésie d'un Charlie Chaplin. Le fond de l'histoire est simple : les catastrophes causées par la cupidité de l'homme. Entre critique sévère des dérives du capitalisme et dénonciation de la destruction progressive de la planète Terre, La guerre des salamandres s'inscrit dans le registre de l'épopée fantastique.

Tout commence avec le récit d'un capitaine qui découvre des salamandres. Ces créatures sont, en apparence, très proches des humains. De façon fascinante, les salamandres ne feront aucune apparition sur les planches - ou très brièvement et pas nettement - laissant l'imaginaire opérer. Ces dernières débusquent des perles qui suscitent immédiatement l'intérêt de l'homme. Aussitôt, le capitaine décide de tirer profit des perles et par extension, des créatures. Elles se retrouvent surexploitées par une multinationale, cotées en bourse... L'enfer ne fait que commencer aussi bien pour elles que pour l'humanité.

Dans une scénographie très ingénieuse - signée Samuel Poncet - et proche du théâtre d'objets, les sept comédiens interprètent avec une énergie débordante pas moins d'une cinquantaine de personnages et entraînent avec eux les spectateurs dans un univers presque cinématographique. Si au début le rire de bon cœur est de mise, celui-ci se fait de plus en plus grinçant à mesure que l'on sent se rapprocher l'incroyable proximité avec notre actualité. Une scène de négociations entre les différents pays - qui n'est pas sans rappeler l'accord de Paris faisant suite à la Conférence de Paris (COP21) sur le climat - prête à sourire : les grandes puissances échangent entre elles, l'incapacité pour les plus faibles de s'exprimer signifiée par un micro souffrant d'un fâcheux dysfonctionnement.

Le rythme soutenu, le petit cachet retro ne peut que séduire avec, en toile de fond, la réflexion profondément anti-autoritarisme de l'auteur.

L'Amour conjugal @Scène Thélème, le 20 Octobre 2018

Du 3 au 20 octobre 2018, la Compagnie du Veilleur - qui célèbre ses 10 ans cette année - a investi la Scène Thélème (restaurant étoilé et salle de théâtre intimiste du 17ème arrondissement parisien) pour y interpréter le spectacle adapté du roman L'Amour conjugal de l'italien Alberto Moravia.

Quand le lieu du spectacle fait office de décor parfait... La salle est divisée en deux par une longue table. Aux deux extrémités de la table sont placées deux chaises, sur les longueurs on retrouve les rangées de fauteuils pour les spectateurs. Sur chaque fauteuil, les spectateurs trouvent un casque audio. Dans le casque, on entendra tantôt les pensées intérieures du personnage principal Silvio - joué ici par Philippe Canales - que ses répliques à son épouse Léda - incarnée par Johanna Silberstein -.

La pièce s'ouvre sur la présentation de Silvio lui-même puis celle de sa fascinante et féline compagne, Léda. L'homme est élégant, il s'introduit comme un esthète. Léda est comme façonnée par son mari. Ce dernier porte en lui un projet ultime : écrire un roman ou au moins, une nouvelle qui relaterait leur union. Pour y mener à bien, il suggère à son aimée de se retirer ensemble dans une villa en Toscane. Lors des déjeuners et des dîners, ils se retrouvent à table pour échanger sur l'avancée du récit. Ils se rendent compte très vite que l'oeuvre stagne. Ils décident de mettre un terme à leurs étreintes nocturnes en s'imposant de faire chambre à part.

Progressivement, la tension s'installe dans le couple. Incapable de se raser lui-même, Silvio recrute un barbier qui intervient à domicile. Le malheureux tentera de séduire Léda, qui a résisté, fait comprendre à son mari que son barbier a eu un comportement déplacé à son égard. Silvio n'en tiendra pas rigueur. Jusqu'à la nuit où il surprendra lui-même les amants en pleine nuit dans les alentours du village. Léda n'en sait rien.

Le jeune Matthieu Roy choisit de recentrer l'intrigue sur le couple animé par une certaine passion dévorante, de façon à obtenir un huis clos où la plupart des sens sont en éveil. L'expérience sonore renforce l'intensité de leurs sentiments, les pensées de Silvio sont comme murmurées aux oreilles des spectateurs, le bruit des couverts qui laissent entendre un certain agacement, les verres qui se remplissent... Tous ces bruits qui n'ont plus un sens mais du sens. La tension devient palpable. Et la vue travaille aussi : les bouteilles de vin, la ménagère disposée sur la table avec une certaine lenteur, les échanges de regards du couple. Ne manquerait plus que le goût. Le jeu des acteurs est chargé d'exigence et l'ambiance qu'ils installent progressivement suit. Le dispositif mis en place permet une immersion totale, un prolongement de l'intime et le résultat satisfaisant.