Un faux pas dans la vie d'Emma Picard @Essaïon Théâtre, le 27 Mai 2024

Le roman de Mathieu Belezi résonne avec L'art de perdre d'Alice Zeniter. Les deux textes ont été adaptés au théâtre en cette saison 2023-2024. 

Un faux pas dans la vie d'Emma Picard est une petite tragédie méconnue inscrite dans l'Histoire de la colonisation française. L'histoire d'une femme, Emma Picard, dans les années 1860 qui échappe à la misère française en allant en Algérie. On lui a promis des terres à cultiver. Elles lui sont octroyées par le gouvernement français ; "des terres qui ne veulent et ne voudront jamais de nous".

C'est la comédienne Marie Moriette qui prendra les traits d'Emma Picard. Elle livre un jeu particulièrement poignant où elle dialogue avec un lit d'enfant. Elle nous narre la misère qu'elle traverse. Les tempêtes, les disparitions, les invasions de sauterelles, les visites de fonctionnaires véreux... Tout y passe. Un faux pas dans la vie d'Emma Picard est le récit d'une femme qui s'est battue courageusement tout au long de sa vie. Aussi fictive que soit la personnage, l'histoire est saisissante.  

Marie Moriette déploie une palette d'émotions intenses dans une mise en scène pensée en duo avec Emmanuel Hérault qui frappe par sa sobriété. La quasi absence de musique pour mieux saisir la solitude traversée. Le seul son sera le cri du cœur d'une femme désespérée.

Les carnets du sous-sol @Essaïon Théâtre, le 13 Mai 2024

© Clément Soyer

La première partie du roman Les carnets du sous-sol de Dostoïevski résonne dans la caverne voûtée de l'Essaïon. Un lieu particulièrement adapté pour capturer un espace mental indéfini. C'est ici et en nous tournant le dos nous accueille le comédien et metteur en scène Christophe Laparra. Le voilà qui nous adresse ce texte particulièrement exigeant de l'écrivain russe. Les questionnements sont nombreux et s'envolent dans des contrées philosophiques, poétiques ou encore politiques. L'enfermement comme unique moyen de contenir sa folie à destination de messieurs fruits de l'imaginaire débordant du personnage. 

Christophe Laparra incarne avec la plus grande justesse. Il offre une présence totale et captivante. On se souvient de la lecture de certains extraits par Patrice Chéreau dans les murs du théâtre de l'Odéon en 2002 mais ici, c'est une question d'appropriation du texte, de faire corps avec lui. Et Christophe Laparra y parvient grâce à une scénographie on ne peut plus de circonstance. Xavier Bernard-Jaoul qui signe la création lumière joue des clairs obscurs. La lumière devient métaphore de la pensée. A mesure qu'elle brille, le personnage avance dans sa réflexion jusqu'à la lucidité. 


Puisque tu pars @Essaïon Théâtre, le 28 Mars 2024

Dans ton histoire
Garde en mémoire
Notre au revoir
Puisque tu pars

Jean-Jacques Goldman

© Jacky Mercien

Quand un ado - Gaspard Martin Laprade - un brin misanthrope mais surtout en profond mal-être se décide à fuguer pour aller au Festival du Cidre au Havre pour aller voir Jean-Jacques Goldman en concert c'est qu'il va vraiment très mal. Non pas qu'on n'aime pas l'un des plus grands paroliers français mais il faut admettre qu'on pourrait avoir des rêves un peu plus ambitieux. C'est même ce que lui dit son oncle musicien - Bruno Bayeux -. Et comme ce dernier est un grand enfant, ça ne l'empêche pas de vouloir le suivre dans cette aventure. Si le premier ne voulait pas avoir le second dans les pattes, c'est raté.

Puisque tu pars est le récit de cette folle histoire. Elle n'a rien d'extraordinaire factuellement. Mais il fallait la penser, l'écrire avec des mots justes - ceux de Quentin Martin Laprade - et la jouer avec les bonnes émotions. C'est ce qu'est parvenu à faire le duo Bruno Bayeux et Gaspard Martin Laprade sous la direction du metteur en scène Joseph Laurent. Les protagonistes sont portés par des comédiens généreux, doux et parfaitement complices. Bruno Bayeux entretient son jeu clownesque sincère qu'on l'a vu exploiter pour Thomas Jolly et Gaspard Martin Laprade se révèle profondément juste - il faut dire aussi qu'il était enfant quand il a joué aux côtés de son acolyte - quand il expose ses théories appuyées par celles de ses aînés Kant et Schopenhauer. L'amour, la vie, la définition même de rock star, les sujets bons à être dissertés ne manquent pas pour deux êtres aussi différents qu'attachants. 


Il faudra que tu m'aimes le jour où j'aimerai pour la première fois sans toi @Théâtre Paris Villette, le 21 Mars 2024

Si on devait faire une compétition avec les spectacles au titre le plus long, Il faudra que tu m'aimes le jour où j'aimerai pour la première fois sans toi est en bonne position aux côtés de La très bouleversante confession de l'homme qui a abattu le plus grand fils de pute que la terre ait porté. Au-delà de la plaisanterie, ils ont se sont trouvés un autre point commun.

© Guillaume Castelot

Dans cette pièce jeune public voire adulescent, Alexandra Cismondi s'est intéressée à l'adolescence et ses bouleversements dans une époque chahutée - pas si éloignée de la nôtre finalement -. Lo - interprétée par Lou Chauvain -  s'apprête à prendre une année de plus mais ce soir-là, toute la famille - Christophe PaouAnne-Elodie SorlinAlexandra Cismondi - retient son souffle. 

Parentalité, deuil, terrorisme, premier amour, militantisme, nouvelles technologies, tous ces sujets sont présents dans cette pièce. En peu de temps, elle a réussi à tous les positionner. A l'image d'un adolescent, c'est intense, profond et peut-être parfois un peu maladroit. Tout se passe très vite. Le public n'est pas un simple public de spectateurs, certains d'entre nous sont des personnages. 

Qui nous aurait prévenu ? Pour la déflagration de l'entrée dans la vie d'adulte, qui mieux que soi-même peut l'appréhender ? C'est un spectacle à l'image du public visé, ça se vit très fort. C'est aussi audacieux, poétique que tragique. Les quatre comédiens principaux passent dans toutes les émotions, certains se glissent dans plus d'un rôle à la fois. Un spectacle en montagnes russes comme on les aime, qui nous rappellent que nous sommes vivants et peut-être profondément humains. 

Je n'ai pas le don de parler @Théâtre L'Echangeur, le 18 Mars 2024

Présenté au CDN d'Aubervilliers, au Studio-Théâtre de Vitry, il est arrivé jusqu'au Théâtre de l'Echangeur à Bagnolet et c'est ici que nous sommes allés découvrir Je n'ai pas le don de parler. Un spectacle pour le moins curieux qui prend des allures d'OTNI - Objet Théâtral Non Identifié -. 

© Anthony Devaux

Qui pourrait croire que derrière ce curieux titre se cache une relecture du conte Blanche-Neige des frères Grimm par Robert Walser et ses Petits textes poétiques ? La metteure en scène Agathe Paysant s'en est appropriée la matière pour transposer la pièce dans un univers qui n'existe pas. Le spectateur se le créée mentalement. Le plateau est entièrement drapé de noir. Rien ne laisse penser qu'il s'agit de la légendaire forêt, pas même un arbre. Tout au fond, un comédien - Marc-Antoine Vaugeois - dort d'un sommeil de plomb. 

Et dans cette obscurité étrange, un duo composé d'un homme - Marc Bertin - et d'une femme - Nathalie Pivain - s'avance, s'empare du programme de salle et fait la lecture aux spectateurs du texte Le paysage. Le regard taquin, ils nous (re)joueront l'histoire peuplée de silences, d'actions rejouées. Les accessoires arrivent du (faux) plafond. Tous les personnages du conte sont là, à l'exception des sept nains. De Walser on connaissait L'Etang - et on avait encore à l'esprit la mise en scène très forte de Gisèle Vienne - mais pas sa Blanche-Neige. Une lecture plus ambigüe du conte. 

C'est toute l'étrangeté de ce spectacle qui fait sa grandeur. On ne rit pas forcément mais on sourit d'un jeu collectif profondément sincère où les acteurs sont comme des pantins tenus non pas par leur metteuse en scène Agathe Paysant mais par eux-mêmes. Les cinq comédiens - Camille Duquesne et Alban Gérôme viennent s'ajouter aux noms précédemment cités - se donnent à cœur joie dans ce simulacre de manipulation pour notre plus grand bonheur. 

L'Art de la joie @Théâtre L'Azimut, le 16 Mars 2024

Après un passage remarqué à la MC93, L'Art de la joie mis en scène par Ambre Kahan a pu poser son massif décor pour deux représentations au Théâtre L'Azimut à Chatenay-Malabry.

© Matthieu Sandjivy

Le roman monumental de Goliarda Sapienza prend vie. Le récit de l'épopée féministe de l'héroïne Modesta - incarnée ici par la superbe Noémie Gantier - en Italie au tout début du XXème siècle se déploie pendant 5h30. Il faut bien l'admettre, nous n'avons pas lu le roman et le spectacle a attisé la curiosité qui nous anime tant. On ne se risquera pas à résumé l'œuvre particulièrement dense - Goliarda Sapienza a consacré quasiment une décennie à son écriture -. D'autant que la metteuse en scène Ambre Kahan ne reprend pas l'intégralité.

Ce billet reviendra essentiellement sur toute la puissance de cette mise en scène, la performance excellente de l'intégralité de ses comédiens. On a connu des spectacles beaucoup plus longs - salutations respectives à Thomas Jolly et Julien Gosselin -, la durée ne nous a jamais effrayé. Mais dans ces spectacles fleuves, il est nécessaire de saluer l'énergie de tout ce petit monde - Aymeline Alix, Jean Aloïs Belbachir, Vanessa Koutseff, Élise Martin, Serge Nicolaï, Léonard Prego, Louise Rieger, Richard Sammut, Romain Tamisier, Sélim Zahrani et les musiciens Amandine Robilliard et Romain Thorel - aux affaires. La scénographie d'Anne-Sophie Grac impressionne par sa taille et son aspect modulaire, tout se transforme en presque toute simplicité. 

Sapienza a écrit un récit qui tire sa force dans son intemporalité. La soif d'absolu de son héroïne Modesta ne peut laisser de marbre. Ambre Kahan est parvenue à nous transporter dans une ambiance parfaitement mesurée. Les quinze premières minutes vont crescendo - le Monsieur Loyal Giùfa, interprété ici par un Florent Favier haut en talons ne manquera pas de bien appuyer cette idée avec un certain dynamisme et beaucoup d'humour  -. Le destin tragique de Modesta se scelle dans ce très court laps de temps. 

De la plus sordide à la plus sensuelle, la jouissance que connait Modesta est telle un feu intérieur qui l'animera tout au long de sa vie. Cette dernière est marquée par des épreuves humaines dont elle se relèvera chaque fois plus femme, plus forte. On la suit dans cette aventure à vive allure. 




L'Enfant brûlé @Ateliers Berthier - Théâtre de l'Odéon, le 10 Mars 2024

"On nait, on vit, on meurt"
Odezenne

© Jean-Louis Fernandez

A 25 ans, Stig Dagerman publiait ce roman intense. A peine plus âgé que son personnage principal, Dagerman était allé creuser du côté des pulsions enfouies, d'une humanité partie à la dérive. Une sombre histoire familiale sur fond de deuil et de désir interdit. 

Bengt a 20 ans lorsqu'il perd sa mère. Un départ accidentel, précoce. Il vit désormais seul avec son père, Knut. Bien qu'affecté par la mort de son épouse, Knut a reconstruit sa vie sentimentale avec Gun. Bengt se rend rapidement compte que son père trompait sa mère de son vivant. Il voit particulièrement d'un mauvais œil cette relation. Bengt ne sait plus vivre, il s'écrit - oui à lui-même - au travers d'un journal dans lequel il s'attache à la "pureté" de son être. Sa fiancée Bérit se soumet totalement à lui, sans aucune personnalité, elle se plie aux convenances. Présentés ainsi on pense aux personnages du brillant dramaturge allemand Marius von Mayenburg. Hurlements, chuchotements ou silences comme des signes de ponctuation. 

Le spectacle s'ouvre sur un dialogue mère-fils au moment du coucher. L'éternel échange entre l'enfant qui ne veut pas dormir en inondant de questions aussi insolites que sérieuses et l'heureux parent qui viendra s'en charger. La metteuse en scène Noémie Ksicova recentre l'action autour de deux espaces à la dimension hautement symbolique : la modeste maison familiale et le bungalow sur une île - le plateau s'enrichit d'une piscine pour l'occasion -. Le dedans implique la routine, l'ennui pendant que la seconde offre la liberté, la tentation. La réécriture du roman en pièce de théâtre concentre les répliques, les didascalies ne sont pas toutes jouées. Ces dernières peuvent simplement être suggérées, ce qui glace encore plus l'ambiance dans les scènes les plus violentes. Il n'est jamais simple d'adapter un roman en pièce de théâtre mais Noémie Ksicova a su habilement en tirer la matière dramaturgique. 

Théo Oliveira Machado en personnage central nous captive par son phrasé juvénile dans la première partie puis plus son personnage gagne en maturité plus son jeu monte en puissance, Cécile Péricone s'inscrit dans une dynamique de jeu progressive elle aussi en parvenant à l'équilibre attendu, tout en délicatesse. S'ils sont secondaires, ils n'en sont pas moins bons, la jeune Lumîr Brabant est particulièrement attachante, Vincent Dissez nous convainc aussi dans sa maladresse tendre. Dernier, non le moindre, on aura un petit mot doux pour Mesa qui en chair et en poils donne corps à Hector, le chien de la famille ; une présence canine bien sympa. 


Bérénice @Théâtre de la Ville, le 09 Mars 2024

Le spectacle  s'ouvre sur une projection des différents éléments composant l'être humain. Oxygène, eau, or, potassium, sodium, phosphore et autres éléments défilent avec le pourcentage parfait. 

© Jean-Michel Blasco

Il serait vain de chercher les mots de Racine dans cette mise en scène de l'italien Romeo Castellucci. Les plus attachés à la langue du dramaturge seront déçus c'est plus que certain. Il s'agit surtout d'une intense performance d'une immense actrice française ; Isabelle Huppert. Les alexandrins sont au rendez-vous mais le reste n'est que poésie autour d'une passion dévorante. 

Un événement théâtral au sommet qui convoquent deux figures exceptionnelles dont les plus férus d'art dramatique ne pouvaient que jusqu'ici rêver. Et si le résultat peut se montrer légèrement décevant pour des partis pris pas toujours compréhensibles - que vient faire une machine à laver ? le radiateur à la rigueur passerait presque pour un prie-Dieu design -, le faiseur italien n'a rien perdu de son sens de l'esthétique. La tentation de déchiffrer le texte projeté sur le rideau nous démangera tout au long du spectacle. Et ce sont toujours ces moments oniriques suspendus dans le temps mêlés aux distorsions sonores du fidèle Scott Gibbons qui nous rappellent que nous assistons à une mise en scène de Romeo Castellucci

Isabelle Huppert est sublimée dans ses robes conçues par la talentueuse Iris van Herpen. Mais que dire de son jeu ? Ces dernières années, l'actrice nous épate autant qu'elle nous perd. Et c'est peut-être ce que nous retiendrons, une performance de haute voltige sur le fil du rasoir. 

Finlandia @Bouffes du Nord, le 07 Mars 2024

Dans l'obscurité des murs des Bouffes du Nord hébergeant une chambre d'hôtel nordique, les seules sources de lumière se font rares. Elles ne sont que deux : le réveil digital aux couleurs orangées qui affiche 03h47 et l'intérieur du mini frigo. Joseph Drouet et Victoria Quesnel sont endormis. Joseph finit par se réveiller, il allume la lampe de chevet pour le moins brusquement. Cigarette en main, il ordonne à sa compagne de se lever par un sec "Lève-toi !". La dispute éclate - pour la énième fois ? -.

© Pauline Roussille

Chez Pascal Rambert, on s'habitue à cette tension permanente. Il parait même que c'était l'objet de sa précédente création Clôture de l'amour sauf qu'il précise que cette fois, c'est "pire". Un enfant - ce soir-là c'est Charlie Sfez qui endosse le rôle de Nina - est entre les deux adultes. On pense alors à Depeche Mode et sa célèbre Precious. Dans Finlandia, il s'agit d'un couple d'artistes qui se déchire. On repense indirectement à une dispute similaire cinématographique dans Anatomie d'une chute

On assiste à un dialogue sans aucune merci. Invective sur invective. Aucun des deux n'aura jamais le verbe plus haut que l'autre. L'insulte suprême qui sera balancée à la figure de Joseph restera sans doute "fasciste". Joseph se voulant ici admirateur de l'italien communiste Gramsci, l'insulte ne passera pas ses oreilles. La violence verbale ne se suffit pas, elle est agrémentée par la physique à sens unique. Une fois encore, c'est Victoria qui portera le coup. 

La chambre étrangère devient un véritable ring, une vraie chambre de bataille dans laquelle on se jauge comme des fauves et s'apostrophe sans aucune limite. Et finalement, ce qui prend ici c'est l'étrange lieu commun qu'a choisi Rambert. Il se garde de toute grandiloquence - on vous épargne un jeu de mots mais on vous le dit quand même, ça va mieux en le disant : grande éloquence - qu'on lui connait. Et parfois, le rire nerveux s'échappe face à quelques exceptions de ridicule d'une situation pour le moins ordinaire.



Fajar ou l'odyssée de l'homme qui rêvait d'être poète @MC93, le 02 Mars 2024

Quand Adama Diop écrit, joue et dirige ça donne l'épopée magnifique Fajar ou l'odyssée de l'homme qui rêvait d'être poète. Une fresque pluridisciplinaire qui nous transporte du Sénégal à la France. 

© Simon Gosselin

Si l'on ressent une immense part autobiographique, c'est dans le registre de la fiction qu'Adama Diop a choisi de faire évoluer son personnage Malal. Malal a fui ses drames intimes, le voilà qui s'en va vers une autre terre où l'espoir du mieux ne l'attend pas mais l'habite, le hante. 

Le spectacle s'ouvre sur les mots d'Aimé Césaire mais c'est bien le verbe d'Adama Diop qui dominera. On le trouvera riche, philosophique, poétique parfois même politique - alternant entre le wolof et le français - et sa forme transverse lui donne un sublime corps qui va emprunter au cinéma, à la musique, à la danse pour un résultat magnifié. 

Repéré chez Julien Gosselin, Jean-François Sivadier, Franz Castorf ou encore Tiago Rodrigues, le franco-sénégalais s'est risqué à un exercice complexe où il s'est fait porter la plupart des masques - pour ne pas dire casquettes -. Si le résultat sur un plan esthétique est vraiment superbe, on regrette sa longueur qui fait perdre le fil. Non pas celui de la narration mais de la réflexion. 

Sur le plateau il s'est entouré de talentueux musiciens - Anne-Lise Binard au chant, à l'alto et à la guitare électrique, Dramane Dembélé au ngoni et aux flûtes mandingues et Léonore Védie au violoncelle -, à l'écran il s'entoure d'une dizaine de comédiens parmi lesquels Frédéric Leidgens qui apparait comme un sage voire une divinité et Marie-Sophie Ferdane en Marianne, figure symbolique de la liberté. En toute fin, le comédien se livre au jeu du conteur en costume de commedia dell'arte. 


Liliane & Paul - Diptyque @MC93, le 04 Février 2024

"C'est un beau roman, c'est une belle histoire
C'est une romance d'aujourd'hui"
Michel Fugain

© Simon Gosselin

Le premier cycle intitulé Nos paysages mineurs  est une histoire d'amour naissante post mai 68. Marc Lainé nous transporte dans une histoire née à bord d'un train en optant pour une unité de lieu : un compartiment. Elle c'est Liliane (Adeline Guillot). Lui c'est Paul (Vladislav Galard). Elle est provinciale, espère s'émanciper en venant à Paris et gagne sa vie en qualité de vendeuse au BHV. Lui est un parisien bourgeois, prof de philo, il prétend incarner une pensée de gauche. Paul est pourtant tout ce qu'il y a de plus détestable chez un homme : dominant et narcissique. Vladislav Galard excelle dans ce rôle on ne peut plus caricatural. Liliane c'est la femme douce, en retrait qui progressivement prend confiance en elle. Adeline Guillot use du bon dosage émotionnel. Alors qu'il devient un écrivain à succès, Paul ne cesse d'être de plus en plus exécrable. Liliane prend le chemin de la femme passive malgré son caractère. La rupture est inévitable. 

© Simon Gosselin

Dans En finir avec leur histoire Marc Lainé les propulse dans les années 1990 - les affiches de Nuits fauves de Cyril Collard nous le rappellent mais pas que - . Le couple s'est bel et bien séparé mais est lié non pas par les sentiments mais par un ado : Martin (Antoine de Toffoli). Liliane a poursuivi son chemin de femme indépendante, à son tour devenue prof de philo. Paul est ruiné désormais hors circuit, il fait effet auprès de compagnes éphémères plus jeunes. Ils se retrouvent "par hasard" dans le 6ème arrondissement parisien le temps d'une soirée. Lui est prêt à la reconquérir à des fins très matérielles. Elle, l'écoute passivement. 

On se laisse porter par cette histoire ordinaire inscrite sur un fond très politique. Questionner la possibilité de mélanger les classes sociales est un sujet politico philosophique passionnant. Marc Lainé traite la problématique avec la bonne distance. Alors que dans le premier spectacle il nous laisse la possibilité de regarder l'écran sur lequel est projeté la captation en temps réel de ce qui se passe dans le compartiment, nos regards se concentreront davantage sur eux - fascinés par leur endurance sur les tapis roulants - dans la deuxième partie. Leurs mouvements ponctués par les notes s'échappant du violoncelle de Vincent Segal. La musique est bien présente, nos protagonistes poussent de temps à autre la chansonnette comme dans un film de Jacques Demy. On attend désormais de connaitre la vision de Martin. 


Art.13 @MC93, le 28 Janvier 2024

 "Toute personne a le droit de circuler librement et de choisir sa résidence à l'intérieur d'un Etat.
Toute personne a le droit de quitter tout pays, y compris le sien, et de revenir dans son pays.

Déclaration Universelle des droits de l'Homme, Article 13. 1948

© Christophe Raynaud de Lage

Phia Ménard. C'est notre première rencontre avec son travail. Il était plus que temps. On en avait beaucoup entendu parlé. Souvent en bien. Il fallait pouvoir enfin voir ça. C'est arrivé, en 2024. 

Avant que ne s'ouvre le rideau de la grande scène, on voit une pancarte ; Aylan Kurdi (2012-2015). Qui est ce malheureux petit être qui a perdu la vie si jeune ? Non, ce n'est pas un personnage de fiction. Il a bel et bien existé. Souvenez vous... Oui. Ce petit garçon avait fait la Une des journaux. La photographie de son corps échoué sur une plage de Turquie avait fait le tour du monde. Le temps de l'émotion passé, la vie continue... 

Le rideau s'ouvre. La pelouse est tondue à la perfection, les chemins en graviers sont eux aussi parfaitement dessinés, la statue d'Apollon - tel un commandeur chez Molière - en simili bronze est propre. Un jardin à la française dans ce qu'il y a de plus banal. En retrait, côté cour, une silhouette d'apparence humaine dans son corps, son visage plus curieux. C'est une espèce de heaume laineux. Le corps rampe, se meut avec beaucoup de difficulté pendant que nos oreilles - que certains d'entre nous boucheront - entendent le bruit agressifs de tronçonneuses et autres tondeuses. Sur un écran en fond est projeté "Les nuisibles". Le corps finit par se tenir debout, esquisse des pas de danse démantibulés, s'empare de la hache jusqu'ici tenue par la statue et se livre à une destruction progressive du décorum sur fond de Masquarade Waltz d'Aram Khachaturian

Sans trop révéler le contenu de la performance de Marion Blondeau, la création de Phia Ménard s'inscrit dans un nouveau cycle intitulé Les Pièces du Jardin et de Ruines. L'artiste n'attend pas du spectateur qu'il soit ébloui mais qu'il s'interroge. A juste titre, tout n'est pas forcément très clair dans la proposition mais tout - le geste et le message - y est radical, politique, hautement symbolique. Alors on ne s'étendra pas davantage sur l'esthétique remarquable de la création monumentale mais une chose est certaine, on reviendra voir du Phia Ménard et sa compagnie Non Nova

A l'heure où une loi immigration a été votée à l'Assemblée Nationale avec 88 députés du Rassemblement National, on vous laissera choisir votre camp.


Notre vie dans l'Art @Théâtre du Soleil, le 26 Janvier 2024

On terminait la 51ème édition du Festival d'Automne quand on s'est laissés tenter par un peu de rab au Théâtre du Soleil. Direction la légendaire Cartoucherie pour aller voir le premier spectacle créée en France par l'américain Richard Nelson Notre vie dans l'Art.  

© Vahid Amanpour

1923. Chicago. La compagnie du Théâtre d'art de Moscou célèbre son 25ème anniversaire dans une pension familiale le temps d'un jour de relâche. Dans un dispositif en quadri frontal, le spectateur devient convive de premier choix. A peu de choses près, il partage le repas à table. A défaut de pouvoir goûter, il sentira la bonne odeur des pelmenis. 

Pendant un peu plus de deux heures, vous vivrez l'intégralité de leurs échanges typiques de la vie d'une compagnie de théâtre mêlant toutes les générations. On y parle de la vie et ses surprises, les déconvenues, les souvenirs, l'Art - oui avec un A majuscule - et son rapport à la politique. Des échanges passionnants et naturels auxquels on serait bien tentés de prendre part. Dans ses couleurs, ce qui se construit sous nos yeux relève d'un tableau réaliste à la Gustave Courbet dans lequel s'animent les pas moins de onze comédiens : Arman Saribekyan, Duccio Bellugi-Vannuccini, Georges Bigot, Maurice DurozierHélène Cinque, Nirupama Nityanandan, Agustin Letelier, Tomaz Nogueira, Shaghayegh Beheshti, Clémence Fougea et Judit Jancso

Evidemment, le spectacle résonne à l'heure du conflit russo-ukrainien, du sort des artistes aussi bien russes qu'ukrainiens - d'autant que le spectacle devait lui-même se jouer en Russie -. Si les échanges sont plein d'optimisme, de chaleur, peu à peu le ton s'aggrave quand on en vient à parler de l'arnaque qu'ils subissent. Mais en toute fin, on se remet à chanter pour célébrer la vie dans l'Art. 



Dissection d'une chute de neige @Théâtre Nanterre-Amandiers, le 11 Janvier 2024

Il y a eu le Roi par effraction que signait François Garde en 2019. Mais que penser du monarque par défaut de fabrication ? C'est comme ça que l'on pourrait concevoir le personnage de Christine, reine de Suède qui a inspiré la pièce de Sara Stridsberg au titre pour le moins poétique : Dissection d'une chute de neige. L'actuel directeur du théâtre des Amandiers, Christophe Rauck s'en était emparé pour la présenter à sa création au Théâtre du Nord en 2021 mais la pandémie l'a brutalement stoppé dans sa lancée. 


Comme dans une boule à neige au format rectangulaire, Christine de Suède - Marie-Sophie Ferdane - est prise au piège d'un pouvoir, d'un rôle dont elle ne veut pas. Sa réalité est dans la boîte. Le monde du dehors n'est qu'agitation. La fragilité de la figure souveraine nommée la Fille Roi interpelle pour son anticonformisme : féministe, cultivée et pour le moins qu'on puisse dire, indépendante elle n'avait rien de la figure de pouvoir autoritaire. Le conte contemporain de Sara Stridsberg raconte la philosophie du pouvoir autrement, la trajectoire d'une tyran malheureuse, fragile mais brutale et dure, les questionnements existentiels d'une âme bien tourmentée, un destin tout tracé mais en passe d'être rompu. 

Le monde du dehors qui survit entre les cendres compte Belle - portée ici par Ludmilla Makowski -, sa douce amante perdue, le Roi Mort - Thierry Bosc - tel la figure du père d'Hamlet qui revient d'entre les morts avec l'humour en prime, le Pouvoir - Christophe Grégoire - l'autorité intransigeante, sans aucune once d'amour paternel, le Philosophe - Habib Dembélé - le Descartes valeureux complice lié d'une amitié sans faille, Maria Eleonora - Murielle Colvez - la figure maternelle déserteuse, fuyante (on vous laissera choisir ce qu'il vous semblera plus judicieux) et enfin, Love - Emmanuel Noblet -, l'amoureux obstiné mais rejeté, désintéressé du pouvoir. 

Si à certains moments le rythme se ralentit, toute la délicatesse combinée à la justesse du jeu de Marie-Sophie Ferdane parvient à nous convaincre. On se laisse avant tout séduire par l'esthétique de la scénographie plastique conçue par Alain Lagarde