Les Damnés @Comédie Française, le 1er Octobre 2016

© Christophe Raynaud de Lage

Elle n’était pas venue en terre provençale depuis plus de vingt ans. Après un passage remarqué au 70^ème Festival d’Avignon - pour les plus chanceux - la troupe de la Comédie Française ne pouvait que revenir jouer à domicile pour le plus grand bonheur de ceux qui n’ont pas pu faire le déplacement. Très attendu, le spectacle de Ivo van Hove a secoué les critiques. Bien sûr jouer dans la salle Richelieu ce n’est pas aussi sensationnel qu’en plein air. Cette libre adaptation du scénario du film du même nom du réalisateur italien Luchino Visconti s’avère être monumentale, un spectacle culte.

La scène de la salle Richelieu est tapissée d’un carré de couleur orange tel un tatamis. Côté cour s’alignent des cercueils et côté jardin, coiffeuses et penderies. Dans le fond et face aux spectateurs, un écran central diffusant aussi bien des images tournées en direct – notamment celles des personnages en pleine souffrance dans leurs cercueils - que des images d’archive. Et sur l’avant du plateau, cohabitent une urne où l’on verse les cendres des personnages assassinés au cours de l’acte et une sirène stridente qui ponctue les actes. A la manière du roman d’Agatha Christie Dix petits nègres, les personnages disparaissent progressivement. Et quand la sirène retentit, les comédiens se repositionnent comme dans une parade militaire et laissent les spectateurs constater les absences.

© Christophe Raynaud de Lage

Ce sont ces mêmes absences qui nous hantent à chaque fois qu’on avance dans le récit. Tour à tour. Pas de pitié. La violence est omniprésente et ce, jusque dans la scène finale qui marquera bon nombre d’esprits. Un objet en particulier attire l’attention, plonge le spectateur dans une terrible tension : une mitraillette. Exhibée sur une table, comme fièrement, dans le fond, à tout instant on sait qu’elle pourra servir mais quand ? On sursautera, on se remémorera et on comprendra ce qui fait que le spectacle s’adresse à un public averti.

© Comédie française

La troupe de la Comédie Française prouve alors sa maîtrise, son expertise. Ils sont tous fantastiques mais nous ne pourrons pas tous les citer ; Didier Sandre porte en puissance son rôle de père de famille, Guillaume Galienne un vrai seigneur du mal qu’on méprisera aux côtés d’une sombre héroïne campée par Elsa Lepoivre, Denis Polalydès devient un véritable monstre nazi et Loïc Corbery est plein de fougue. Nous finirons sur la prestation ahurissante de Christophe Montenez, le plus fou, malsain. Un Martin brillant par sa noirceur. Ils portent ainsi une pièce dingue, monstrueusement sublime. 

Une nomination aux Molières 2017 ? 
Pleinement envisageable !

© Christophe Raynaud de Lage

Pour ceux/celles qui voudraient avoir le privilège de voir ce spectacle inoubliable, il reste encore un peu de temps pour le voir ici (et en plus c’est une captation au Palais des Papes !)

Jules Renard L'homme qui voulait devenir un arbre @Théâtre de Poche-Montparnasse, le 3 Octobre 2016

Catherine Sauval est seule sur le plateau où un secrétaire, une chaise et quelques papiers parsemés sur le sol font office de décor. Jules Renard l’habite. Connu principalement pour son roman autobiographique Poil de Carotte, Sauval nous convie à la découverte de l’écrivain.

Finalement assez méconnu, Jules Renard par Catherine Sauval, se révèle être une âme complexe, teintée de pessimisme. Sauval vêtue d’une veste masculine, le raconte à la première personne, elle navigue entre les ouvrages - Journal, Bucoliques, Histoires naturelles – et ravive l’âme de l’auteur.

Dans un jeu plein de tendresse, passionnée jusqu’à en finir les yeux larmoyants, Catherine Sauval touche les spectateurs en plein cœur. Le temps d’un peu plus d’une heure, elle livre toute la poésie, la beauté de la langue d’un homme qui tout au long de son existence aura été habité par les doutes et la rêverie sans se sentir compris de ses contemporains.

2 666 @Théâtre de l'Odéon - Ateliers Berthier, le 11 Septembre 2016

Comment procéder à une chronique en peu de temps après avoir vu le spectacle fleuve du jeune Julien Gosselin ? Essayer de décanter au maximum, distiller les parties, se remémorer sans frémir…

2666  © Simon Gosselin 

2 666 avant d’être adapté au théâtre est le dernier roman inachevé du chilien Roberto Bolaño. Initialement, l’œuvre d’un peu plus de mille pages au compteur devait être divisée en cinq tomes respectant les cinq parties du roman. De ce qu’on raconte, Bolaño demanda à ce que le rythme soit d’un tome par an afin d'assurer un revenu à ses enfants après sa disparition. Cette volonté ne sera visiblement pas respectée.

Un peu plus d’onze heures. C’est ce qu’il aura fallu au jeune metteur en scène pour parvenir à proposer un spectacle à l’image du roman. Raconter une histoire unique serait complexe, les cinq récits pourraient fonctionner en toute autonomie. Mais, deux éléments rappellent qu’ils sont étroitement liés : un auteur qui suscite la fascination de quatre universitaires répondant au nom de Benno von Archimboldi et une ville au Mexique ; Santa Teresa où depuis plusieurs années sont commis des meurtres de femmes sans que la police locale ne puisse avancer dans ses enquêtes.

Toute la puissance de la pièce se situe dans le plus qu’habile mélange de la scénographie et de la réécriture du texte d’origine. Entre images en temps réel empreintes d’une véritable poésie, l’horreur et la violence parviennent à s’installer pour mettre en place une atmosphère perturbante, le tout dans un espace constamment en mouvement et une musique alternant entre électro lourde et morceaux presque planants.Tout se joue sur la profondeur de la scène en articulant trois cubes transparents d’une hauteur imposante. Gosselin tend à mélanger trois arts magistraux : le cinéma, le théâtre et la performance. 

Dans cette volonté de jouer sur la pénibilité, la frustration, l’infini, Gosselin parvient à mettre en scène une pièce monstrueusement bouleversante – le spectateur gardera à l’esprit l’éprouvante avant-dernière partie dite « La partie des crimes » où sur l’écran centrale défilent les différents récits des meurtres de Santa Teresa sur un fond sonore angoissant -.

On saluera la performance des jeunes comédiens de la compagnie Si vous pouviez lécher mon cœur non seulement parce qu’ils tiennent la cadence, mais aussi parce qu’ils sont intensément bons, porteurs d’une énergie plus que nécessaire.  

 2666  © Simon Gosselin 

Nobody @Théâtre Monfort, le 21 Septembre 2016

© Simon Gosselin

Déjà présent dans la programmation de la saison 2015/2016, le spectacle Nobody est à nouveau à l’affiche au Théâtre Monfort pour notre plus grand plaisir.

Nobody est une performance filmique : l’ensemble des scènes sont joués au travers d’une baie vitrée sur le plateau, certaines sont filmées en temps réel et projetées sur un écran placé en hauteur.

Le collectif MxM nous propose une lente descente aux enfers du management dans une entreprise spécialisée dans la restructuration. Le personnage qui nous raconte ce récit c’est Jean Personne, interprété par le jeune et brillant Mathias Labelle. Il nous partage notamment ses pensées en voix off. Finement il analyse les fonctionnements, les mentalités brutales et cyniques de chacun de ses collègues, les valeurs de son entreprise. Les pensées se transforment parfois en monologues. Les dialogues entre les différents salariés ne laissent aucune place à la convivialité, aucune complicité n’est possible entre eux.

Les sentiments et l’humanité disparaissent pour laisser place à des chiffres dont le sens peut s’effacer lui aussi. Derrière les vitres, le spectateur témoin devient presque voyeur en scrutant les faits et gestes des salariés préoccupés à l’idée de s’agiter, d’exploser. Tout en crescendo le malaise s’installe.

Si à l’écran sont montrés des visages, des moments d’échange, une autre action suit son cours dans un autre espace captivant tout autant l’attention. Les textes de Falk Richter décrivent l’univers du travail dans une écriture noire sans réelle issue lumineuse, la déshumanisation croissante du milieu entrepreneurial, Cyril Teste et son collectif MxM s’en sont emparés pour les interpréter de façon éblouissante. La perte d’assurance progressive du héros, ses envies de révolte se mélangent à ses questionnements, Nobody est une véritable performance. Les comédiens – au nombre de quatorze – du collectif La Carte Blanche sont jeunes, le talent semble bien les habiter. 

Les jeux de l’amour et d’Offenbach @Théâtre de Poche Montparnasse, le 18 Septembre 2016

Ou quand la petite salle du Théâtre de Poche Montparnasse se transforme en un studio d’audition…

Il (Jean-Michel Séréni en alternance avec Lionel Peintre) est baryton. Elle (Edwige Bourdy en alternance avec Mélanie Boisvert) est soprano. Entre eux s’interpose Manuela (Erika Guiomar en alternance avec Nina Uhari ou Sophie Teulon), l’accompagnatrice assise à son piano. Elle leur propose d’échauffer leurs voix respectives.

S’ils pouvaient s’avérer être de totaux inconnus, il n’en est rien. Ce couple s’est connu sur les planches du théâtre, où ils se sont aimés, où ils se sont perdus. Le destin les a fait alors se retrouver bien des années plus tard presque là où ils se sont laissés. Mais qu’est-il advenu de leurs sentiments ?

Revisitant le répertoire du compositeur Jacques Offenbach, le spectacle d’Yves Coudray propose aux protagonistes de revenir sur leur histoire d’amour qui ne s’était jamais vraiment terminée. Les deux amants se redécouvrent en chansons. Revenant sur les débuts de leur relation, leurs émois, leurs peines, les amants se laissent alors porter par les grands airs. Pendant près d’une heure s’enchaînent délicieusement Orphée aux enfers, Les Brigands, La Périchole ou encore La Fille du Tambour Major. Mais aussi les œuvres moins connues de celui que Gioachino Rossini prenait plaisir à appeler « le petit Mozart des Champs-Elysées ».

Les jeux de l’amour et d’Offenbach est un texte riche en émotions et rempli d’humour que livre Coudray, porté par des interprètes empreints d’une belle énergie, réjouissants et élégants dans leurs costumes d’époque signés Michel Ronvaux.

Un spectacle savoureux pour cette saison automnale. 

Rue @Collège des Bernardins, le 11 Juin 2016

 © Marc DOMAGE 2015

Après un passage remarqué à la Ménagerie de Verre, le chorégraphe brésilien Volmir Cordeiro présente à nouveau sa création Rue au Collège des Bernardins pour la toute première édition de la Biennale du divers. Assis au fond du hall, il nous observe, il se concentre. Soudainement, entre les majestueux piliers, le danseur s’anime.

Il y a quelque chose de tribal dans cette chorégraphie, le brésilien fait de son torse un instrument. Il le frappe avec ses paumes, laissant s’échapper ces sons sourds qui résonnent dans l’espace, il accompagne cette caisse de résonnance d’un nouveau genre avec des mouvements vifs, les échos donnent offre une tonalité unique. Avec sa grande taille, dans un costume léger semblable à une tunique de couleur noire, il dégage une prestance. Avec son visage allongé, il grimace, son regard, marqué d’un trait orange vif, est profond. 

Repensant l’espace et inspiré par Brecht le chorégraphe invite les spectateurs à imaginer un autre environnement, à transformer le hall du Collège des Bernardins en une esplanade où se rencontrent, s’entrecroisent les hommes.

Washington Timbo – percussionniste - suit l’artiste et dans la deuxième moitié de la performance, se voulant plus urbaine, plus violente, c’est une sorte d’affrontement se met en place entre eux avec un regain d’énergie. Cordeiro enfile un bonnet rose flashy, une dizaine de chouchous s’alignent sur ses longs bras, il se libère et entame une sorte de transe. 

Un extrait ici 

Constellations @Théâtre du Petit Saint Martin, le 01 Juin 2016

Ils se sont rencontrés à un barbecue, ils se sont aimés le temps d'une vie. Ils ont repensé, ils ont vécu. Roland et Marianne. Il est apiculteur, elle est astrophysicienne. Des univers si différents pour une rencontre sans cesse renouvelée. C'est cela le jeu des Constellations. Et si dans un autre univers, il en était autrement ? Comment est-ce que ça se serait passé si on n'avait pas fait comme ça ?

Si le fond reste une histoire d'amour, ce sont d'autres sujets qui se rencontrent et notamment la maladie. Un être rongé par le mal n'est plus celui qu'il avait l'habitude d'être. Elle s'efforce de vivre, elle s'affaiblit mais elle l'aime, elle ne veut pas le perdre, elle continuera à lui parler jusqu'à son dernier souffle. Les maux s'en prennent aux mots.

C'est donc sur les planches du théâtre du Petit Saint-Martin que Christophe Paou et Marie Gillain forment un couple amoureux touchant non sans une once de sensibilité. Evoluant sur un plateau bleuté où sont dessinés des cercles concentriques blancs, on assiste à une chorégraphie des corps - notamment dans une scène où les comédiens échangent en langage des signes - entre ombre et lumière, ils s'avancent et reculent, toujours dans une certaine dualité, ce couple s'aventure dans les méandres des univers multiples.

Dans une scénographie minimaliste, le duo Paou/Gillain offre une interprétation riche en émotions. Comédie dramatique au sens propre, Constellations se doit d'être interprété par des acteurs qui maîtrisent parfaitement leur jeu afin de respecter au mieux toute la finesse du jeune auteur anglo-saxon Nick Payne. Les émotions multiples se jouent sur peu de choses en réalité : un mot, une intonation et le spectateur passe du rire aux larmes ravalées.